Arte bella o brutta? Non accontentiamoci della prima impressione

Saper apprezzare l’arte è sicuramente un piacere, è un interesse che, quando incomincia a coinvolgerci, rimarrà costante e arricchirà la vita di momenti di puro godimento. Le opere d’arte possono donare molteplici emozioni, a volte delicate, a volte così forti da commuoverci, altre volte un’opera d’arte ci può lasciare indifferenti, ma non c’è da preoccuparsi. L’importante è non avere preconcetti, porsi di fronte all’arte con semplicità, cercando di cogliere ciò che l’opera vuole comunicare.
Come in ogni campo del sapere umano più si conosce un argomento maggiore è la possibilità che riusciamo ad apprezzarne il contenuto e il valore. Questo vale anche per l’arte. Conoscere le possibilità tecniche, i valori espressivi, gli elementi compositivi, il percorso artistico dell’autore e la collocazione storico-artistica permette di cogliere con più immediatezza e in modo più profondo il valore e il significato di un’opera d’arte.

  • Opere che affascinano per la perizia tecnica e la mimesis: come un Raffaello

Sicuramente le opere che affascinano maggiormente qualsiasi tipo di pubblico sono quelle  che evidenziano una eccezionale perizia tecnica, che rappresentano il soggetto in modo tale da apparire “vero”. La storia dell’arte del passato, dal Rinascimento fino all’Ottocento, è caratterizzata proprio dall’uso della tecnica per rendere con verosimiglianza ciò che si rappresentava: l’obiettivo era proprio rendere il soggetto il più veritiero possibile, in tutti i suoi dettagli.
L’opera di Raffaello Sanzio intitolata La muta ci incanta perché sembra di osservare una persona in carne ed ossa e non un dipinto bidimensionale. Siamo subito attratti dai suoi occhi, un po’ malinconici, poi notiamo il cordoncino che 
regge una piccola croce e come questo crei delle ombre sulla sua pelle, dando origine così ad un incredibile senso di tridimensionalità. Ci colpiscono i diversi tipi di stoffa, dei ricami, ed infine le sue mani che sembrano doversi muovere da un istante all’altro, con gli anelli d’oro che riflettono la luce. Raffaello è riuscito a fare tutto ciò con i colori a olio stesi su una tavola di legno trattata: la magia nasce da come l’artista è stato capace di sfruttare le potenzialità di questa tecnica.
Un artista del Novecento che si è servito dell’abilità tecnica per dare apparente credibilità a soggetti impossibili è stato Salvador Dalì. Nel suo quadro Costruzione molle con fave bollite: presagio di guerra civile, l’artista dà corpo all’idea della guerra, rappresentata come un enorme mostro ributtante, assolutamente impossibile, ma incredibilmente verosimile, e perciò ancor più spaventoso, grazie ad una tecnica perfetta, all’uso della luce che crea forti contrasti chiaroscurali ed accentua volumi ed espressione.
Anche in scultura la perizia tecnica permette di realizzare opere sorprendenti, come nel caso del Ratto di Proserpina di Gianlorenzo Bernini: l’artista è stato attento a riprodurre ogni particolare come se l’azione si stesse svolgendo realmente sotto i nostri occhi, così vediamo le mani di Plutone che tengono con forza il corpo di Proserpina e le sue dita premono le teneri carni della dea. Sono questi dettagli curatissimi, l’accentuata espressività, il senso del movimento così naturale e subitaneo che ci coinvolgono emotivamente osservando la statua.

 

 

 

 

 

 

 

  • Opere evocative: gli impressionisti e i romantici

Vi è un altro genere di opere d’arte che non riproducono il soggetto come se fosse una fotografia, ma riescono ad evocare con grande efficacia alcune situazioni o sensazioni. Anche questo tipo di arte riscuote un grande successo di pubblico, un tipico esempio sono i pittori impressionisti.
Se noi osserviamo il quadro L’altalena di Auguste Renoir percepiamo immediatamente la sensazione di frescura data dall’ombra degli alti alberi, evidenziata dalle macchie di luce sugli abiti e sul terreno, e anche i senso di tranquillità che la scena comunica, dandoci l’impressione di vivere di persona quell’attimo di vita.

\Bambina su una poltrona blu di Mary Cassatt invece ci evoca il silenzio e la fresca penombra del salotto fanno da sfondo al riposo scomposto della bambina e, sull’altra poltrona, del cagnolino, facendoci intuire che avevano giocato, probabilmente in modo piuttosto agitato, fino ad un attimo prima. In entrambi i quadri le immagini sono realizzate attraverso pennellate veloci, che non riproducono i dettagli, ma danno l’idea di qualcosa di fuggevolcassatt girl in bluee, di un soggetto che era diverso un istante prima e sarà differente un istante dopo. Come Raffaello e Dalì questi artisti hanno usato la tecnica a olio, ma il colore è steso con brevi pennellate che viste da vicino sembrano casuali, ma nell’insieme colgono in modo sorprendente la variabilità delle situazioni e della luce.

Anche in scultura è possibile dare questa sensazione di fuggevolezza ed evocare particolari atmosfere. Camille Claudel nell’opera La Valse non solo riesce a dare il senso del movimento attraverso il lungo abito apparentemente leggerissimo (è in bronzo), ma è stata capace di farci percepire con grande efficacia l’attrazione che lega i due ballerini. I particolari non sono perfettamente definiti, ma l’artista si è soffermata solo su quelle parti funzionali alla comunicazione: qui giocano un ruolo fondamentale le posizioni dei soggetti, le forti mani di lui, l’apparente delicatezza dei lei.

Molti pittori della prima metà dell’Ottocento, definiti romantici, hanno preferito rappresentare nelle loro opere suggestioni piuttosto che immagini “fotografiche”. Un esempio è William Turner, il quale diceva “L’atmosfera è il mio stile”, e in effetti nelle sue opere i soggetti sono creati da macchie di colore che si sovrappongono e si fondono fino a creare incredibili scenari naturali. Nel quadro Tempesta di neve la bufera che minaccia la nave è efficacemente suggerita dal vortice di bagliori chiari e macchie scure, che raffigurano vento, acqua e neve mischiati inscindibilmente.

  • Armonia intrinseca: l’altare del Duca Ratchis e Alberto Burri

Le opere d’arte di cui abbiamo parlato finora sono quelle di immediata comprensibilità, piuttosto facili da capire e da apprezzare. Ci sono altre opere d’arte con le quali è più difficile entrare in sintonia, e che forse, dopo uno sguardo distratto e  se non si è avvezzi al linguaggio dell’arte, si potrebbe pensare che siano “brutte”. Spesso il concetto di brutto viene applicato perché il soggetto è sproporzionato, non è aderente al vero oppure è poco comprensibile o addirittura incomprensibile (ma chi ha detto che deve esserci un soggetto?).

Se consideriamo l’Altare del Duca di Ratchis, un’opera dell’VIII secolo, le rappresentazioni ci appaiono particolarmente sproporzionate. Nel riquadro frontale è raffigurato Cristo in Maestà inserito in una mandorla (simbolo divino) sostenuta da quattro angeli, nei riquadri laterali troviamo L’Adorazione dei Magi e La Visitazione. I soggetti appaiono con i volti piatti, frontali; gli angeli che sostengono la mandorla hanno mani grandi e Gesù ha i piedi minuscoli; nella Visitazione Maria e Elisabetta sono decisamente poco femminili e le loro braccia sono lunghissime. In tutti i rilievi l’artista ha riempito ogni spazio disponibile con rosette, intrecci o piccole croci. Eppure queste opere esprimono una meravigliosa armonia intrinseca, un’ingenuità rappresentativa che disarma: la spontaneità e la schiettezza con cui vengono rappresentati i soggetti riescono a comunicare una forza di fede di una tale freschezza e genuinità che in opere più elaborate o mimetiche viene persa. Le lunghe braccia di Maria e Elisabetta esprimono il loro legame tramite un forte abbraccio e le grandi mani degli angeli accentuano la potenza della mandorla divina.  Se quest’opera viene guardata con animo aperto, senza preconcetti e senza voler pretendere che i soggetti siano aderenti alla realtà, scopriamo un nuovo concetto di “bello”, fatto di una grazia e semplicità che incantano.

Alberto Burri è un artista che ha operato nell’ambito dell’arte informale, che, come evidenzia il nome stesso, nega l’idea della forma e del suo significato razionale. Nell’opera di Burri diventano molto impostanti i materiali usati, sempre poveri, semplici. Come in Cretto G1, dove sperimenta un miscuglio di caolino, bianco di zinco e vinavil, steso su un pannello di cellotex: ne deriva una superficie crepata in modo differenziato a seconda dello spessore del materiale e del tempo di essiccazione. Nasce un’armonia naturale che rimanda alla terra natia dell’artista, l’Umbria, oppure al Texas, dove venne portato come prigioniero di guerra; seguendo le crepe più spesse al centro e sempre più fitte e fini ai bordi, ci si può perdere in un meandro di pensieri ed emozioni che caratterizzano la vita di ognuno di noi.

  • Semplice come il disegno di un bambino? Klee e Mirò

Alcune opere d’arte ci appaiono molto semplici a livello formale: poche linee, soggetti molto schematici. Chi non riesce a cogliere la poesia di questi lavori potrebbe addirittura paragonarli ai disegni dei bambini, ma in realtà racchiudono abilità tecniche,  sapienze compositive e ricerche poetiche proprie di un grande maestro.

Pallone rosso di Paul Klee rappresenta una mongolfiera rossa al centro della composizione, a destra e a sinistra delle case, con una finestra aperta proprio davanti a noi. Tutti i soggetti sono contornati da una semplice e sottile linea scura, ma la magia scaturisce dalla stesura del colore: in ogni campitura il colore si sfuma in diverse tonalità creando la sensazione di osservare una scena in un istante speciale, magico, quasi quel pallone fosse portatore di un incantesimo. L’artista ha utilizzato con grande maestria il colore a olio su tessuto e il suo stile è assolutamente inconfondibile.

Un altro artista che ha realizzato bellissimi capolavori semplici come i disegni dei bambini è Joan Mirò. La semplicità ha caratterizzato tutta la sua carriera, fino ad arrivare all’essenzialità. Un esempio è L’oro dell’azzurro. Tutti immediatamente possono cogliere la grande macchia azzurra dal contorno bianco, le tre grandi stelle realizzate con quattro linee incrociate, il meraviglioso giallo che abbaglia. Forse però ci vuole un occhio più esperto per vedere la donna, molto stilizzata, in basso a sinistra, e l’uomo, il cui corpo filiforme crea un’ampia curva e parte proprio dalla macchia azzurra, simbolo di spiritualità. Rappresenta il fascino dell’universo, che circonda gli essere umani con i suoi misteri e la sua bellezza.

  • Una bellezza scostante: Kirchner e Bacon

Fino a questo momento ci siamo soffermati su opere che, anche se non sono di facile lettura, hanno un aspetto formale attraente, piacevole. Ci sono artisti che volutamente tralasciano queste caratteristiche per concentrarsi maggiormente sulla comunicazione, che di solito rispecchia stati d’animo negativi, condizioni di vita dolorose. Se dovessimo guardare quest’arte con i canoni “classici” non esiteremmo a definirla “brutta”, ma cambiando il punto di vista anche quest’arte manifesta una sua bellezza, fatta di forti emozioni, denunce, riflessioni esistenziali.

A prima vista il quadro di Kirchner Autoritratto in divisa potrebbe sembrare scostante con  le linee di contorno aguzze, la donna sullo sfondo stilizzata e poco attraente, la mano in primo piano contratta e l’altra mozzata, gli occhi senza pupille. Non c’è nulla nella composizione che metta a proprio agio l’osservatore, che lo gratifichi positivamente. Infatti Kirchner dipinse questo quadro dopo essere tornato dalla Prima Guerra Mondiale e il suo intento era dichiarare la sua lacerazione interiore dopo tutti gli orrori che aveva visto: si dipinge perciò disinteressato all’amore, simboleggiato dalla donna alle sue spalle,  e privato degli occhi e della mano destra, indispensabili per un pittore. Se la composizione avesse presentato forme più piacevoli, realizzate con una tecnica più curata, l’impatto emotivo sarebbe stato sminuito.

Francis Bacon usa l’arte per dichiarare l’angoscia della vita, probabilmente è il pittore che al meglio esprime il dramma esistenziale dell’uomo del XX secolo. Nel suo capolavoro Papa Innocenzo X reinterpreta un celebre ritratto che Diego Velazquez fece al papa nel 1650, ma la versione di Bacon non ci incanta per il realismo dell’immagine e l’accentuata personalità che l’artista spagnolo riuscì a infondere al soggetto, al contrario la sua pittura ci disturba e impressiona, ci scuote dall’interno portando alla luce le paure più profonde. Bacon deforma Innocenzo X, usa colori violenti e amplifica il suo urlo attraverso l’uso di linee verticali che creano un movimento discendente, terrificante, quasi stesse sprofondando nelle viscere più profonde dell’inferno.

La scultura dell’artista tedesca Käthe Kollwitz Pietà ha una comunicazione più sommessa rispetto all’opera di Bacon, ma anche qui tutto è intriso di dolore: la posizione rannicchiata del corpo del figlio, il volto silente della madre, i suoi poveri abiti, il gesto affettuoso della sua mano che tiene quella del figlio. La Kollwitz rappresenta un dolore senza speranza, senza ritorno, e noi non siamo certo attratti dalla bellezza dei volti o dei corpi, ma rimaniamo catturati dalla forza del sentimento.

Sicuramente questo genere di opere non hanno un aspetto consolatorio, ma l’arte è cultura, non ha solo una funzione decorativa, il loro scopo è anche quello di farci riflettere su alcuni aspetti della condizione umana.

  • Arte astratta e dintorni: ma sono capace anch’io

Dagli anni Sessanta del Novecento vi è stato un proliferare di nuove correnti artistiche i cui intenti sono rivolti verso la comunicazione del messaggio oppure verso una innovativa ricerca artistica; in questi casi, molto spesso, l’aspetto tecnico dell’arte non è prevalente. Nell’arte contemporanea a volte le opere ci appaiono enigmatiche e bisogna conoscere l’artista e il suo operato per riuscire a comprendere in modo più significativo il valore e il significato. Se si riesce a capire che molto spesso l’aspetto concettuale diventa più importante di quello di elaborazione tecnica, si riesce ad evitare il commento “ma sono capace anch’io”. Non importa se il lavoro d’arte che state osservando vi piaccia o meno, questo dipende dal gusto personale (anche a un buongustaio non piacciono tutti i cibi), l’importante è non assumere un atteggiamento denigratorio ma propositivo, di chi cerca di capire ed apprezzare.

RE 19 è un’opera di Yves Klein (RE significa Riliefs Épongs, cioè Rilievi Spugne), ci appare come una tela con delle spugne attaccate, tutto completamente dipinto di blu. Klein arrivò a dipingere unicamente con il blu dopo un personale percorso artistico. Per l’artista il blu rappresentava l’infinità dei cieli, ma anche l’unificazione di cielo e mare, evocando così distanza, desiderio, infinito. Usava la monocromia perché in questo modo elevava l’importanza del colore ad un livello assoluto: eliminando gli aspetti formali e psicologici si rivolgeva solo alle percezione dello spirito. Il pigmento blu è il risultato di un anno di esperimenti ed è una tonalità particolare che Klein brevettò nel 1960 dandogli il suo nome. Le spugne sono uno strumento del mestiere e Klein rimase affascinato dalla capacità delle spugne di assorbire velocemente il colore blu, e perciò dalla loro capacità di assorbire tutti i valori che il blu riassumeva. Le opere di Klein emanano un profonda serenità, il blu da lui prescelto sembra emettere delle vibrazioni che coinvolgono tutto lo spazio circostante.

Un altro esempio di opera il cui significato è più importante della realizzazione tecnica è Una e tre sedie di Joseph Kosuth. Presenta l’immagine fotografica di una sedia in grandezza naturale, di fianco la sedia reale, poi l’ingrandimento della definizione di sedia (chair) tratta dal dizionario. Tre aspetti dello stesso soggetto: l’oggetto reale, la sua immagine, il suo nome. Una dimostrazione di come i tre aspetti sono inscindibili e nessuno predomina sull’altro, perché nell’istante in cui osserviamo qualcosa di concreto, contemporaneamente lo definiamo con un nome e la sua immagine si ferma nella nostra mente.

Questa è stata una breve carrellata su modi diversi di fare e concepire l’arte. Modi diversi di esprimersi, che rispecchiano sia la personalità dell’artista sia il gusto del periodo in cui l’artista ha operato. Non dimentichiamoci mai che l’arte è una manifestazione culturale di una persona che vive in una società, in un certo periodo storico. Se ci si vuole avvicinare all’arte in modo un po’ meno superficiale dal semplice “mi piace” o “non mi piace”, quello appena espresso è un concetto da tenere sempre in considerazione.

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Informazioni su Claudia Ryan

Scrittrice, giornalista, insegnante di storia dell'arte. Claudia Molteni Ryan ha frequentato il liceo artistico a Como e la facoltà di Architettura al Politecnico di Milano. Insegna storia dell'arte in un liceo linguistico e collabora come giornalista con riviste specialistiche di design. E' iscritta all'Ordine dei giornalisti dal 1997. Ha curato una monografia su Alessandro Mazzucotelli per la rivista "Il ferro battuto" edita da Di Baio e ha pubblicato il libro "L'atto del vedere" con Zanichelli. Nel novembre 2010 ha pubblicato "Giro di boa" con Edizioni Si. Nel luglio 2012 è uscito il suo romanzo storico “Virginia”, Leone Editore, vincitore di quattro premi letterari: del premio speciale biografie al Concorso Letterario Internazionale Villa Selmi (novembre 2012), del premio speciale della critica al Concorso Letterario Nazionale “Un libro amico per l’inverno” (marzo 2013); del premio speciale Golden Selection al Concorso Letterario Internazionale “Città di Cattolica" (aprile 2013) e della Menzione Speciale (5° classificato) al Premio Internazionale di Arti Letterarie "Thesaurus" (settembre 2013). Candidato al Concorso Letterario Cortina d’Ampezzo. Nel 2013 ha lavorato per la Giunti editore per la pubblicazione di 16 lezioni CLIL di storia dell'arte per le scuole superiori. Nel maggio 2014 è uscito il romanzo storico "Il fuoco nelle tenebre", Leone Editore, vincitore nel settembre 2014 del Premio della Critica al Premio Letterario Internazionale Montefiore e ha ottenuto una menzione d'onore al World Literary Prize nel giugno 2015. Nella primavera 2016 è stato pubblicato il romanzo "Hana la Yazida - L'inferno è sulla Terra" con Edizioni San Paolo, che è entrato tra i finalisti del Concorso Letterario Città di Como 2017 e si è classificato quinto nel Concorso Letterario Milano International 2017. Il libro ha riscosso grande interesse per il tema trattato. Ama scrivere, l'arte, ballare, andare in bicicletta, camminare in montagna e lungo l'oceano, dipingere e pensa di avere sposato un uomo meraviglioso. --------------------------------------------------------------------- Writer, journalist and teacher of the History of Art. Claudia Molteni Ryan studied at the liceo artistico (Arts High School) in Como and the Faculty of Architecture at the Politecnico in Milan. She teaches the History of Art in a liceo linguistico (Languages High School) and she works as a journalist with specialist magazines of design . She has been a member of the Journalist Association since 1997. She wrote a monograph about Alessandro Mazzucotelli for the magazine “Il ferro battuto” published by Di Baio and also the book “L’atto del vedere” published by Zanichelli. In November 2010 her book “Giro di Boa” (published by SI) was released, in July 2012 her historical novel “Virginia” (to be published by Leone), that won four literary prizes. In 2013 she has written 16 CLIL lessons about History of Art for the publisher Giunti. In May 2014 her historical novel "Il fuoco nelle tenebre" has been published by Leone Editore. In May 2016 the novel "Hana la Yazida - L'inferno è sulla Terra" was published by Edizioni San Paolo; in the Literary Competition città di Como 2017 it was amoung the books selected for the award; it was also placed fifth at the Literary Competition Milano International 2017. She loves writing, dancing, riding bicycles, art, walking on a mountain or along the ocean and painting, she also thinks she married a wonderful man.
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